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해외작가

(34) 토마스 허쉬호른(Thomas Hirschhorn)

Thomas Hirschhorn in his studio, Aubervilliers, 2007, photo: Romain Lopez courtesy Gladstone Gallery, New York

폐허 위에 설계한 과잉과 잉여의 기념비

  6월4일 오픈한 세계 최대 현대미술제 베니스 비엔날레 국가관이 작가 라인업을 모두 정렬한 가운데, 유독 눈길을 끄는 작가가 있다. 스위스 국가관 대표주자 토마스 허쉬호른(Thomas Hirschhorn). 현대 미술계에서 가장 신랄하고 거센 정치적 표현으로 유명한 그는 지난 20여 년간 작품을 통해 끊임없이 국제적 정치문제와 현대의 병리적 소비문화에 대해 거론해왔다. 한편 그는 작년 광주 비엔날레에서 <박힌 페티시>(Embedded Fetish)라는 작품으로 자살폭탄테러에 대한 작품을 발표해 국내에도 익숙한 작가이기도 하다. 훼손된 신체, 타버린 유해 등 시각적인 충격을 두서없이 늘어놓는 설치작업과 가변적 구조물로 현대인들의 모순과 무감각에 끊임없이 시비를 거는 그의 래퍼토리는 아이러니하게도 현대 예술의 고전적인 역할을 충실히 이행하고 있다.

<Bataille Monument>, 나무, 판자, 테이프 등을 이용한 가변설치, 2002 (카셀 도큐멘타 11 출품작), photo: Werner Maschmann courtesy Gladstone Gallery, New York

  2009년 4월 뉴욕 글래드스톤(Gladstone) 갤러리에서 열린 전시 <Universal Gym>에서 토마스 허쉬호른은 화이트 큐브를 섬뜩한 지옥의 체육관으로 변모했다. 선풍기, 목재, 짐 볼 등 쓰레기장을 뒤져 건졌을 법한 재료들과 레디메이드가 함께 뒹굴고 있는 이 체육관의 운동기구들과 피부 속 근육을 모조리 노출한 마네킹들의 공허한 눈빛은 현대인들이 떠받드는 신조를 거울처럼 비추었다. 지나치게 낙천적인 소비 메커니즘과 나르시시즘의 온상, 헬스클럽을 그는 21세기의 새로운 신전으로 바라보았다. 아름다운 육체와 열광하고 잉여의 땀을 위해 노동을 하며, 심지어는 이 순간을 위해 무언가를 기꺼이 맞바꾸는 현대인의 처연한 삶. 이것을 이토록 신랄하게 정면 돌파하는 작가가 바로 허쉬호른이다.

<Universal Gym>, 마네킹, 운동 기구 등을 이용한 미술관 가변설치 전경, photo: David Regen ⓒThomas Hirschhorn courtesy Gladstone Gallery, New York

  그런가하면 2002년 열린 개인전 <Cavemanman>에서는 알루미늄 호일과 나무 등으로 갤러리 전체를 동굴로 탈바꿈했다.(그의 작품은 호일, 포장테이프, 마분지, 마네킹 등 항상 주변에서 구하기 쉬운 매체들로 만들어진다.) 싸구려 광택을 발하는 호일을 휘장처럼 두른 마네킹, 상반신을 노출한 섹스 아이콘 파멜라 앤더슨과 유명 랩 가수 투팍의 사진 콜라주로 장식된 벽은 팝 컬처를 대변했지만 동시에 동굴 안에는 흄과 루소, 토크빌 등 철학 책이 나뒹굴고 있었고, 세계화에 관한 신문기사와 지적인 칼럼도 함께 전시되어 있었다. 이처럼 그의 동굴은 현대인들이 매일 접하는 정보와 그의 머릿속을 축약해 집합시킨 공간이었다. 어수선한 현실이 반영된 동굴의 벽에는 “1 Man = 1 Man”이라는 낙서가 곳곳에 남아 그의 철학을 대변하고 있었다. 

<Cavemanman>, 은박지, 책, 마네킹 등을 이용한 가변설치, 2002, courtesy Gladstone Gallery, New York

  한편 2010년 광주비엔날레에 출품된 그의 작품은 참혹했다. 광주의 비극적인 상흔의 유령이 전시장을 두둥실 떠다니는 비엔날레에서 두상만 절취된 마네킹에는 수십 개의 못이 박혀 있다. 그리고 그 옆에는 피와 못으로 형체를 알아보기 힘든 자살폭탄 테러 희생자들의 실제 사진이 함께 전시됐다. 이 작품은 두 가지의 상반된 감정을 자아낸다. 첫 번째는 물론 눈뜨고 마주할 수 없는 잔혹함이다. 그는 마네킹의 두상에 나사와 못을 가차 없이 박아 얼굴에 박힌 폭탄의 파편을 표현했다. 이것은 이념의 갈등으로 희생당한 육체에 대한 슬픔의 기념비이다. 그러나 한편으로 이 작품은 역으로 주술적인 의미를 떠올리게 하는데, 아프리카 콩고에서 악귀를 쫓고 병을 치료하기 위해 못을 박은 마법의 나무 조각상을 연상시킨다. 이것은 마네킹 두상으로 빙의된 스러진 영혼들을 전쟁의 상처를 치료하고 폭력을 근절하는 현대의 우상 집합으로 승화한다. 그는 이런 식으로 대중과 단물을 빨고 물러난 언론, 그리고 본 역할을 상실하고 있는 예술가들의 관심에서 벗어난 전쟁의 황폐하고 처절한 상흔을 끄집어낸다.

<Too Too-Much Much>,벨기에 MDD(Museum Dhondt-Dhaenens) 미술관에 캔을 이용한 가변설치, 2010, photo: Romain Lopez courtesy Galerie Chantal Crousel, Paris and Gladstone Gallery, New York

  그의 작품에서 하나의 키워드를 추출할 수 있다면 그것은 과잉이다. 그것이 정보든 쓰레기든, 그는 과잉의 허우적대는 현대인의 삶을 탐탁지 않게 바라보면서 거꾸로 과잉으로 이런 메시지를 전달하는 작업을 한다. 그는 “저는 항상 과잉에 끌립니다. 과잉으로 행하고, 과잉으로 주며, 과잉으로 노력을 투입하는 것은 저의 무기이자 도구입니다.”라고 말한다. 이것은 그가 1980년 프랑스 파리에서 Grapus라는 그래픽 아티스트로 활동할 때부터 남아있는 전적이다. 이 때 그는 광고에서 사용된 이미지와 텍스트를 조합한 콜라주 작품을 거리에 전시했다. 또한 그는 모든 설치작가들이 관객들의 참여를 유도하리라는 우리의 예상과는 달리 절대로 관객들이 그의 작품에 적극적으로 참여하길 원치 않는다. “관객은 항상 참여할 이유는 없습니다. 관객의 참여를 유도하는 작품을 하지 않습니다. 수신이 저의 작품의 목표가 될 수는 없습니다. 창작에서 보다 중요한 것은 반영입니다.” 그는 자아도취적인 생각에 빠져 예술가가 세상을 바꾼다는 신념을 신봉하지는 않는다. 단, 사람들이 함께 생활하면서 잊고 있는 것들, 지구촌 어딘가에서 일어나고 있지만 있지 않은 것들을 충실히 반영할 뿐이다.

<Superficial Engagement>, 마네킹, 못, 광고 전단지 등을 이용한 가변설치, 2006,  courtesy Gladstone Gallery, New York

  그는 이번 베니스 비엔날레 스위스 국가관 대표작가로 선정됐다. 그는 이번에 선보일 전시 <Crystal of Resistance>를 통해 “지금까지의 작품과 다른 새로운 맥락을 형성할 수 있을 것인가?”, “독점적이지 않은 대중을 전시에 참여시킬 수 있을 것인가?”라는 두 가지의 실험적인 질문을 던질 것이라고 밝혔다. ‘crystal’은 전시의 모티프로, 그의 15년 전의 기억에서부터 출발한다. 그는 15년 전 한 주차장에서 아이들이 판자 위에 크리스털을 늘어놓고 지나가는 행인들을 대상으로 상행위를 하는 장면을 목격했다. 이 이미지는 즉각적으로 그를 감동시켰고 이후 그의 작품 활동에 많은 영향을 미쳤다. 한편 ‘resistance’는 예술의 정치, 문화, 미학적인 요소로부터의 저항을 의미한다. 그의 신념은 예술은 독점적이거나 소수를 위한 것이 아니라 보편적이고 모두를 상대로 하는 것이며, 예술의 역할은 대화와 만남을 창출하는 것이다. 그는 이번 비엔날레 전시를 통해 세계 관람객을 상대로 그의 믿음을 실험할 것이다. 전위적으로.