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가볼만한 전시

네덜란드의 마술적 사실주의 :전통에서 현대까지
(~4월12일 서울대학교미술관)

테오 르헤르미네즈, 고양이 옆에서 담배를 피우는 여인, 1991, 캔버스 위에 유채, 101 x 121cm

  ‘마술적 사실주의’라는 이름으로 네덜란드 신구작가들이 한데 모였다. 바로「네덜란드의 마술적 사실주의 : 전통에서 현대까지」展에서다. 오는 4월12일까지 서울대미술관에서 열리는 이번 전시에서는 1920년대부터 동시대에 이르기까지 마술적 사실주의로 명명되는 네덜란드 회화 및 조각 작품 71점이 전시되고 있다.

  현대미술의 원류를 찾아 연구해 온 서울대미술관이 이번에는 ‘마술적 사실주의’라는 생소한 장르를 일반에 소개하고 있다. ‘마술적 사실주의’란 독일의 비평가 프란츠 로(Franz Roh)가 1925년 처음 사용한 용어로 원래는 제1차 세계대전 이후 독일과 네덜란드 등지에서 등장한 새로운 구상회화를 지칭한 말이었다. 처음에는 막스 베크만(1884-1950)이나 오토 딕스(1891-1969)처럼 현실을 냉소적으로 드러내 보였던 독일 작가들과 함께 사용하다가 점차 독일은 ‘신즉물주의’, 네덜란드는 ‘마술적 사실주의’로 구분해 사용하게 됐다.

  네덜란드의 ‘마술적 사실주의’ 개념의 가장 큰 특징은 분명 현실을 바탕으로 두며 현실적으로 가능한 상황이지만 개연성이 떨어지는 상황을 담아내고 있다는 점이다. 몽환적이고 환상적인 이미지는 초현실주의와 비슷하나 ‘현실’에 기반을 둔다는 점에서 차이점을 갖는다. 이번 전시는 1920~1930년대 마술적 사실주의 1세대 작가들과 동시대 작품들이 함께 소개되고 있다.

  오진이 서울대미술관 선임 학예연구사는 “20세기 초부터 시작된 이 마술적 사실주의가 현재의 젊은 작가들에게도 유효한 이유나, 또 전통적 기법들이 현대에 와서 어떻게 변화하고 있는지를 살펴보는 것이 이번 전시 관람의 핵심 포인트”라고 설명했다. 이번 전시는 1920년대부터 현재까지의 작품들로 구성됐으며 <초상>, <정물>, <풍경> 등 세 개의 섹션으로 나뉘어 전시되고 있다.

<초상>
  이번에 소개되는 인물 초상들은 외향보다는 그 사람 본연의 모습을 나타내는 데 집중하고 있다. 그래서일까? 인물들은 하나 같이 우울하다. 예를 들어 베르나딘 스턴하익의 <에스컬레이터>(2001)나 <합창>(2001)은 군중 속에서도 고단하기만한 개인이 등장한다. 이 고단함은 식탁 앞에 홀로 우두커니 앉은 남자를 그린 바렌드 블랑커트의 <최후의 유럽인>(1989-1990)에서 절정에 달한다.

바렌드 블랑커트, 최후의 유럽인, 1989~1990, 캔버스 위에 아크릴, 알키드 수지, 유채, 130 x 150cm

 
  개인의 성격을 잘 파악한 작가도 있다. ‘고양이 옆에서 담배를 피우는 여인’ 등 테오 르헤르미네즈의 작품들에서는 심술궂은 여자들이 등장한다. 때로는 야하게 때로는 과하게 치장했지만, 그의 작품 속 여성들은 그다지 매력적이지 않다. 대신 손등의 핏줄이나, 잔주름 같은 장치를 통해 등장인물들의 심리 상태를 드러내고 있다. 레이몬드 휘스만의 <부엌에서>(2006)나, 한니 드 비어의 <주름살을 즐기는?>(2008)에서도 인물의 성격들이 잘 드러난다.

  이번 전시의 메인 작품이기도 한 카렐 윌링크의 <르네상스 복장의 소녀>(1945)는 결과물로서의 회화와 당시 소녀가 착용한 의상과 양(洋) 인형이 함께 전시되고 있다. 그간 가상의 인물이나 가공된 귀족을 그렸던 것과 달리 실제 여자아이를 모델로 그린 이 작품은 어린아이라는 귀엽고 밝은 이미지와는 반대로 어둡고 무겁게 깔린 배경이미지에서 전쟁의 뒤숭숭한 사회상을 느낄 수 있다.

카렐 윌링크, 르네상스 복장의 소녀, 1945, 캔버스 위에 유채, 135 x 84.5cm

  현재 유럽에서 가장 잘 나가는 작가로 손꼽히는 아이리스 반 동겐의 작품도 소개된다. 큰 뱀을 몸에 두른 여성을 그린 <수상쩍은Ⅳ>(2008)은 신화적 요소와 현대적 요소가 뒤섞여 신비로운 분위기를 자아내고 있다.

아이리스 반 동겐, 수상쩍은 IV, 2008, 종이 위에 파스텔, 콩테, 분필, 100 x 65cm

 <정물>
  네덜란드 회화에서 빼놓을 수 없는 것이 바로 정물이다. 16-17세기 정물화가 휩쓴 이후 현재에 이르기까지 네덜란드에서 정물은 매우 각광받는 장르다. 사실 정물이야말로 예술가가 완벽하게 화면을 지배할 수 있는 장르다. 소재의 선택부터 구성, 빛의 조절까지 모든 면에서 완벽하게 제어할 수 있기 때문에 현대회화에서 예술가들의 사랑을 받고 있다. 이번 전시에서는 전통적인 정물화의 개념을 이어가면서도 현대적으로 변용되고 있는 정물화를 만나 볼 수 있다.

라울 힌케스, 과일과 풍경이 있는 정물, 1935, 캔버스 위에 유채, 54 x 64cm

  라울 힌케스의 <과일과 풍경이 있는 정물>(1935)은 전통적인 정물화 양식을 그대로 재현하고 있다. 돌담 위에 놓인 잘 익은 과일과 견과류, 낡은 책은 바니타스 전통을 이어간다. 그러면서도 어둡고 비현실적으로 보이는 배경으로 하여금 더욱 불길한 분위기를 자아내고 있다. 베르나드 베르카이드의 <주전자, 양파, 그리고 검은 천>(2004)을 보면 네덜란드 출신의 위대한 작가 2명이 떠오른다. 바로 베르메르와 렘브란트다. 작가는 베르메르의 일상적 소재를 가지고 어두운 배경에 집중적으로 빛을 넣는 렘브란트의 전통을 이어간다.

베르나드 베르카이드, 주전자, 양파, 그리고 검은 천, 2004, 패널 위에 유채, 95 x 88cm

  이처럼 전통적인 요소를 그대로 드러내며 소재 하나하나에 의미를 더하는가 하면 현대에 이르러서는 정물의 숨겨진 의미보다는 화면의 아름다움에 대한 작품들이 많아졌다. 아르나우트 반 알바다의 <빠네토네 빵 상자>(2006), 데니스 모겔라아드의 <투보그 병과 차 주전자>(1995), 케니 그레구아르의 <타원형 접시가 있는 정물>(2001) 등은 정물화에서만 볼 수 있는 화면의 아름다움을 확인할 수 있다.

아르나우트 반 알바다, 빠네토네 빵 상자, 2006, 패널 위에 유채, 에그 템페라, 35 x 110cm

<풍경>
  낭만주의 풍경화에 대한 반발로 19세기 작가들은 구체적이고 현실적인 풍경화를 제작했다. 이번 전시에서는 19세기 풍경화의 영향을 받은 현대 작가들의 작품들이 소개된다.

요한 아벨링, 전원풍경, 2001, 패널 위에 유채, 100 x 135cm

  얀 바스 디스의 <연민을 가지고 꾸준히>(1997)나 <그는 여기 오랫동안 서있었다>(2001)는 마술적 사실주의의 전형을 보여준다. 작가는 분명 자신이 유년시절 생활했던 농장풍경을 정확히 묘사하고 있지만, 먹구름 사이로 비춰지는 한줄기 빛이나 혼란스러운 제목을 이용해 몽환적인 분위기를 만들어 내고 있다. 이런 몽환적 풍경은 요한 아벨링의 <전원 풍경>(2001)이나, 게르 아이켄달의 <물에 잠긴 지구Ⅱ>(1992), 프란스 스투어만의 <델프스하벤>(1979) 등에서도 볼 수 있다.

얀 반 디스, 그는 여기 오랫동안 서있었다, 2001, 캔버스 위에 유채, 101 x 80cm

  한편 이번 전시는 지난해 한국-네덜란드 수교 50주년을 기념해 마련된 자리로 출품작은 모두 네덜란드 금융기관 ING의 아트 컬렉션으로 꾸며졌다. ING 아트 컬렉션은 유럽에서 가장 영향력 있는 컬렉션으로 손꼽히는데 특히 사원들의 문화 복지를 위해 시작한 만큼 일반인들이 감상하기에 어렵지 않는 현대 구상회화를 소장원칙으로 하고 있다. 이러한 점은 네덜란드 구상회화를 한국에 소개하는데 있어 감상자가 어렵지 않게 받아들이길 바란 전시 의도와 잘 맞아 떨어지는 부분이다.

  오진이 선임 학예연구사는 “네덜란드의 마법적 사실주의 국내에 소개된 적이 별로 없어서인지 유명작가들이 참여했는데도 불구하고 잘 모르는 것 같다” 며 “대신 편견 없이 100% 감상자의 시점에서 작품을 감상하는 기회가 될 수 있으니 작품 자체만 보고 판단해 달라”고 당부했다. <사진제공 서울대학교미술관> (02)880-9504

전정연 기자 funny-movie@hanmail.net
2012. 2. 27 ⓒArt Museum
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